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고대부터 르네상스 시대까지

선사시대 무용의 흔적은 스페인과 프랑스 등지의 동굴 회화에 남아 있을 뿐이다.

이 그림들을 근거로 하여 사가들은 종교의식이 선사무용의 동기가 되었다고 추측해왔다. 20세기에 남아 있는 바이에른-오스트리아 지방의 '슈플라틀러'(Schuhplattler)라는 남녀 쌍쌍춤은 BC 3000년 이전의 신석기시대에 기원을 두고 있는 것으로 사가들은 생각한다. 그러나 선사시대 이후 고대 세계의 무용에 관해서는 그림 유적보다 문서 기록이 훨씬 더 많다.

고대무용의 양식·유형·목적 등에 관해서는 아직도 추측에 그칠 뿐이지만 추측을 뒷받침해주는 구체적인 증거는 훨씬 더 많다.

이집트에서는 제사장과 왕을 겸한 인물이 신을 대표하거나 자기 백성의 종 및 재생자(再生者)로서 춤을 추는 형식화된 제의무용이 행해졌다. 또한 이집트에는 무용에 관한 가장 오래된 문서 기록이 발견된다. 이 기록에는 오늘날의 아다지오와 흡사한 중동지방의 배꼽무용과 아프리카 내륙 출신의 전문 무용수들에 관한 언급이 있다.

이집트의 다양하고 세련된 무용은 고대 그리스 무용에 영향을 미쳤다. 일부는 크레타를 거쳐, 또 일부는 이집트에 공부하러 간 그리스 철학자들을 통해서 그리스로 전해졌다.

크레타에서 생겨나 그리스에 널리 퍼진 무용 형식 가운데 하나로 '퓌리케'(pyrrhiche)라는 것이 있었는데 이는 무기를 들고 추는 춤으로 군사훈련의 한 부분이었다. 무수한 화병 그림과 부조에는 그리스 신 디오니소스 숭배와 관련된 황홀경의 무용 장면들이 등장한다.

디오니소스 숭배의식은 가을철 포도 수확기에 광란적이고 생기발랄한 무용과 더불어 행해졌다. 이 숭배의식은 또한 그리스 연극을 낳았으며 이는 급속히 사람들의 관심을 끌었다. 의식을 행하는 중에 무용수는 제사장의 배경장면으로 등장하여 제사장의 말을 춤과 몸짓으로 표현했다.

고대 로마 사회의 초기에는 무용에 대해 적대적이었다.

BC 200년경 전까지도 무용은 단지 합창단의 행진 형태에 그쳤음이 분명하다. 그뒤 그리스와 에트루리아의 영향을 받아 무용은 로마 제전의 중요한 부분이 되었다. BC 150년경에 모든 무용학교에 폐쇄령을 내렸지만 점증하는 무용에 대한 열광을 멈출 수는 없었다. 아우구스투스 황제(BC 63~AD 14) 치하에서 로마인들에게 크게 인기있었던 무용 형식은 말없이 양식화된 동작으로 극적인 줄거리를 표현하는 전시적 팬터마임이었다.

무용수들은 악사와 합창단과 함께 공연했다.

〈구약성서〉는 무용을 특별히 즐거운 행사로 언급하고 있다. 다른 고대사회에서와 마찬가지로 고대 히브리 무용도 대부분 제례의식과 연관되어 있었다. 히브리 무용은 남녀가 모두 추었지만 보통 남녀를 따로 가르는 것이 관례였다.

결혼식은 의식무용이 행해지는 중요한 계기였다. 초기 그리스도교 시대의 유대인 이산기(離散期)에 많은 의식무용이 사라졌지만 혼례무용은 전통으로 계속 남았다.

중세 초기 그리스도교 선교사들이 남긴 기록에서 알 수 있듯이 제례무용은 북유럽 부족들 사이에서도 전승되어왔다.

무용에 대한 그리스도 교회의 입장이 한결같지는 않았다. 한편에서는 모든 열정과 기쁨의 표현을 거부하는 금욕주의적인 태도가 있었다. 다른 한편에서는 몇몇 초대 교부들이 이교도들의 무용을 그리스도교 예배에 활용하려 하기도 했다. 고대의 절기(節期)와 일치하는 그리스도교 절기에는 비록 새 이름과 새 목적을 내세우기는 했지만 유서깊은 제례무용들이 다시 행해졌다. 이렇게 하여 이전에 신성하게 여겨졌던 무용이 갈수록 세속화되었다.

서유럽 사회는 12세기에 이르러 성직자·귀족·농민의 3계급으로 분화되었다. 이렇게 분화됨에 따라서 사교무용이 발달했다. 기사들이 추었던 남녀 쌍쌍춤은 세련되고 귀족적인 연애관을 표현했다. 농민들의 원무는 사람들이 원이나 열을 지어 보통 서로 손을 잡고 노래하면서 추었다. 합창원무는 으레 참가자들의 노래를 반주로 했지만 기사들의 궁정무용에는 대개 악기 반주가 따랐다.

르네상스 시대가 도래하면서 이탈리아가 무용 발전의 새로운 중심지가 되었다.

르네상스 시대에 이르러 사회계급은 더욱 복잡하게 뒤섞였고 새로운 출세 기회와 개인적인 부가 중시되었으며 세속적인 즐거움과 인체의 아름다움에 탐닉하는 경향도 더 커졌다. 기념식과 축제가 늘어났으며, 중세의 떠돌이 마술사들이 무용선생으로서 많은 존경과 추종을 받았다. 그들은 재빠르게 귀족계급을 상대로 무용의 스텝, 무용할 때의 자세·태도·예절까지 가르치는 역할을 맡았다.

이 시기의 이름난 최초의 무용선생은 도메니코 다 피아첸차였다. 그는 1416년 유럽 최초의 무용교본인 〈무용과 합창단 지휘법에 관하여 De arte saltandi et choreas ducendi〉라는 책을 출판했다.

프랑스에서는 원래 농민들이 추는 원무였다가 궁정에서 유행하게 된 브랑르로부터 무수한 무용 형식이 생겨났다.

15세기 무용 중 가장 빈번하게 언급되는 것은 '모리스카' 또는 '모레스크'라는 무용인데, 이는 스페인의 무어족이 추던 춤을 낭만적으로 개작한 것으로 보통 2줄로 서서 추는 합창무용 형식을 취했다. 이와 같은 합창무용에서 발레가 생겨났다. 사보이와 북이탈리아 전역의 궁정 연회에서 신화적·상징적·우화적인 내용을 담은 화려한 구경거리가 갈수록 인기를 끌었다.

16세기초 튜더 왕조의 잉글랜드에서도 그와 비슷한 야외공연이 있었다. 이탈리아의 '발리'와 마찬가지로 잉글랜드의 가면무는 단순히 가면을 쓰고 추는 춤에서부터 노래와 연설, 팬터마임을 결합시킨 정교한 구경거리에 이르기까지 거의 헤아릴 수 없을 정도로 다양했다. 그러나 초기 단계에서는 팬터마임과 무용이 쉽게 구분되지 않고 있다.

16세기말 잉글랜드 여왕 엘리자베스 1세는 무용을 한층 더 장려했다.

그녀는 가야르와 볼타를 능숙하게 추었으며, 1쌍의 무용수가 높이 도약하여 강하게 포옹하는 동작도 잘해냈다. 고대에 기원을 둔 연환무(連環舞)와 윤무(輪舞), 원무들로 이루어진 잉글랜드의 컨트리 댄스은 궁정무용에 새로운 활력소를 끊임없이 공급했으며 무용학교가 런던의 도처에서 번창했다. 16세기말과 17세기초에 문예부흥을 맞은 스페인도 무용에 매우 중요한 공헌을 했다.

당시 스페인은 사라방드·샤콘·판당고·플라멩코 등이 인기가 있었다.

17~19세기

루이 14, 15세 치하에서 프랑스는 서유럽의 로코코 예술시대를 선도했다.

이 시대는 단순함과 자연스러움을 추구하는 예술운동에서 출발했으며 무용의 시대이자 무용을 위한 시대이기도 했다. 미뉴에트는 세련된 동작을 강조하는 이 시대 무용의 상징이었다. 1661년 루이 14세는 13명의 무용선생과 음악가, 작곡가들에게 칙허를 내렸고 이를 계기로 최초의 무용예술원이 창설되었다. 왕립 무용 아카데미는 무용예술의 완벽성을 위한 객관적인 기준을 세우고 무용 훈련의 규칙을 통일시켰으며 무용선생들에게 자격증을 발급했다.

이러한 발전이 이루어지면서 무용은 고도로 숙련된 전문가들의 영역이 되었다. 무용에 관한 책들도 풍부하게 나왔는데, 논문과 교본, 분석서뿐만 아니라 기호로써 무용을 기록하려는 시도도 있었다.

1700년 이후로 발레는 사교무용과 분리되었다. 날이 갈수록 기술적 요구 수준이 높아지고 아마추어가 전문가로 바뀜에 따라 발레는 실내무용에서 공연무용으로 이행되었다. 공연무용으로 바뀌면서 점차 낭송과 노래가 없어지고 발레는 춤과 마임만으로 줄거리를 표현하는 데 주력하게 되었다.

그러나 이러한 순화과정에는 시간이 걸렸다. 수십 년 동안 '코미디 발레'와 '오페라 발레'를 비롯해 '발레 닥시옹'에 이르기까지 다양한 매체가 혼합된 여러 형식의 발레가 존재했다. 사교무용 분야에서 1650~1750년은 '미뉴에트의 시대'라 불린다. 프랑스의 베르사유 궁전에서 열리는 대규모 무도회에서 미뉴에트는 축제의 정점이었으며 브랑르와 쿠랑트, 가보트를 망라하는 일련의 춤 가운데서 으뜸을 차지했다.

사교무용의 왕이라 할 수 있는 미뉴에트는 무도장 위에서 자유롭게 짝을 지어 복잡한 스텝과 미끄럼, 회전을 반복하면서 추는 춤이었다.

이 춤은 푸아투의 민속무용에서 비롯되었다. 이 춤은 오늘날에는 틀에 박혀 다소 작위적인 느낌을 주지만 당대에는 가장 아름답고 조화로운 무용으로 꼽혔으며 완벽하게 추기 위해서는 오랫동안 세심한 연습이 필요했다.

잉글랜드에서는 사교무용이 완전히 대중화되었다. 17세기 청교도들은 무용을 인간의 사악한 행위로 낙인찍으려 했지만 서적상이자 출판업자인 존 플레이포드(1623~86경)는 〈잉글랜드 무용교본 The English Dancing Master〉(1650)을 출판했다.

이 책은 잉글랜드의 전통적인 춤과 춤곡을 집대성한 것이었다. 80년 동안 18판을 거듭했으며 최종판에는 농촌에서 유래한 900종의 합창무용을 수록했다. 이 책은 누구나 읽고 이해할 수 있었으며 책에 나오는 춤을 따라 출 수 있었다. 사람들은 궁정예절 따위에 매이지 않고도 즐겁고 활동적인 유희로써 춤을 즐길 수 있게 되었다. 1700년경 잉글랜드 컨트리 댄스은 다소 형식화되거나 때로는 상당히 변화된 형태로 유럽 대륙에 등장하기 시작했다.

프랑스에서는 그것들을 대무(對舞)라고 일컬었다. 코티용과 카드리유라고도 알려진 원무들은 스페인과 독일, 폴란드 등지로 빠르게 전파되었다. 이것들은 신흥 중산계급의 춤으로 자리잡았다.

잉글랜드 출신의 아메리카 식민지 개척자들은 무용에 관해 다양한 견해를 가지고 있었다. 귀족계급 출신의 정착민들이 많이 거주하는 남부가 종교적 열정으로 이주해온 이주민들이 많이 사는 북부보다 대체로 춤을 더 즐기는 경향을 보였다. 그럼에도 불구하고 〈잉글랜드 무용교본〉은 아메리카에도 알려졌다.

해안도시에서는 사교무도회가 열렸고, 내륙의 변방에서는 곳곳에 널리 흩어져 있는 농장의 정착민들이 종종 함께 모여 호사스런 잔치를 벌이고 사교춤을 추었다.

르네상스 예술이 낭만주의 운동에 자리를 내주면서 미뉴에트의 시대에 이어 왈츠의 시대가 도래했다. 낭만주의 사조의 많은 부분이 그렇듯이 왈츠도 독일에서 유래했다. 이 춤은 남녀 1쌍이 추는 회전무에서 비롯되었으며 가볍고 쾌활하고 물흐르는 듯한 동작으로 이루어진다.

남부 독일과 오스트리아에서 유행했으며 특히 빈은 왈츠의 도시로 알려졌다. 왈츠에 대한 열광은 급속하게 국경을 넘어 전파되었고 유럽 도처에서 왈츠의 변형이 등장했다. 독일에서는 쇼티슈가 발전했으며 프랑스에서는 발랑스 발스가 개발되었고, 이후에 미국에서는 더 느리고 미끄러지는 동작을 많이 쓰는 보스턴 왈츠가 등장했다. 1840년경에는 보헤미아 무용인 폴카가 왈츠의 중요한 경쟁상대로 등장했다.

무도장에서 인기를 끈 또다른 보헤미아 민속무용은 레이도박 또는 레도바였으며, 한편 폴란드의 마주르카와 크라코비악도 큰 인기를 누렸다.

19세기 발레는 자연스러움과 열정, 표현성을 이상으로 삼았다. 프랑스의 무용수이며 안무가이자 교사였던 장 조르주 노베르(1727~1810)는 최초의 위대한 발레 개혁가였다. 그는 당대의 위대한 작곡가들과 함께 신화와 역사에서 빌려온 주제들을 고도로 극적이고 서술적인 형식으로 안무했다.

유럽과 러시아 각지의 다른 안무가들도 노베르와 보조를 맞추어 발레를 세련되게 만드는 작업을 했다. 1830년대와 1840년대에는 낭만주의 운동의 영향으로 발레 무대에 자연의 정령과 요정들이 숱하게 등장했다. 남자 무용수 대신에 여성 무용수가 숭배의 대상이 되었다. 안무가들은 한층 더 풍부한 표현 수단을 추구했으며 무용수들의 개성적 특질을 부각시키기 위해 애썼다. 1845년 이후 적어도 파리와 런던에서는 낭만주의 발레가 급속히 쇠퇴했다.

그러나 1860년대초 코펜하겐에서는 낭만주의 발레가 계속 인기를 누렸다. 당시 러시아에는 세계적으로 유명한 독자적인 발레 문화가 이루어지고 있었다. 처음에 파리에서 발레를 수입한 러시아는 점차 토착적인 요소와 외래적인 요소를 결합시켜 독자적인 표현 기법을 개발해냈다. 차르 시대 고전 발레의 절정은 상트페테르부르크 무용단이 공연한 〈잠자는 숲속의 미녀〉(1890)·〈호두까기 인형〉(1892)·〈백조의 호수〉(1895) 등이었다.

이 작품들은 모두 표트르 차이코프스키가 작곡을 맡았다.

19세기에는 좀더 가벼운 종류의 다른 무용연희에 커다란 관심이 쏠렸다. 파리에서는 여성 전용의 캉캉이 열화 같은 인기를 끌었다. 런던에서는 알함브라 발레와 제국 발레가 유행했는데 이는 대부분 눈요기를 위해 만든 고전 발레였다.

그러나 미국에서는 매우 다양한 종류의 연희가 발달했다. 민스트럴 쇼, 엑스트래버갠저, 벌레스크, 보드빌 등이 미국에서 큰 인기를 끌었다. 이것들은 각양각색의 춤과 연극적 표현을 결합시킨 것으로 특히 흑인 문화에서 많은 영향을 받았다. 춤으로는 탭댄스·소프트슈·벅앤드윙 등 틀에 박힌 경쾌한 춤이 유행했다. 19세기에는 또한 미국 서부의 급성장하는 도시에서 대중적인 무도장과 무용시설이 크게 늘어났다.

이곳에서 반 댄스와 케이크워크처럼 상식 밖으로 심하게 몸을 비트는 미국식 춤이 최초로 등장했다. 이 시대에 처음으로 유럽 무용의 역사에 신세계의 혈통이 섞여 들어왔다(사교춤).

19세기에는 여행이 사상 유례없이 늘어나고 서로 다른 문화권 사이의 접촉이 잦았다. 이국적으로 보이는 많은 무용 양식들이 서양권에 전파되어 민속무용과 민족무용에 대한 관심을 활발하게 불러일으켰다. 낭만주의 발레를 연기하는 발레리나들은 안무가와 마찬가지로 유럽의 여러 도시들을 순회했다.

무용언어는 지리나 언어의 차이를 뛰어넘어 국제적인 의사전달의 매체가 되었다.

20세기

20세기는 믿을 수 없을 정도로 활기찬 무용의 시대였다.

새로운 형식을 그토록 열정적으로 모색하고 개성적인 표현과 더욱 역동적인 생활양식을 그처럼 열광적으로 추구한 적이 없었다. 자연과학과 사회과학의 연구 성과가 급속히 축적되고 사회문제에 대한 인식이 높아감에 따라 모든 예술은 그러한 변화로부터 깊은 영향을 받았다.

발레는 러시아의 무용감독 세르게이 디아길레프(1872~1929)의 지도 아래 완전히 새롭게 태어났다.

디아길레프가 이끄는 발레 뤼스가 몰고온 예술적 결과는 엄청났다. 1909년 그가 파리로 이끌고 간 발레 뤼스는 상트페테르부르크와 모스크바의 왕립극장에서 뽑은 일류 무용수들을 망라하고 있었다. 당시에 살았던 그 어떤 사람도 그처럼 수준 높은 발레를 본 적이 없었다. 그뒤 20년간 발레 뤼스는 러시아에서는 전혀 공연을 가지지 않고 서양에서 제일가는 발레단으로 부상했다.

디아길레프가 직접 발레를 안무한 적은 한 번도 없었지만 그는 발레계에서 관심의 초점이 되었으며 무용, 음악, 시각 디자인, 가사를 통합하여 모든 요소가 균등하게 작용하는 '총체예술'을 이루고자 했다. 발레 뤼스는 당대의 으뜸가는 작곡가와 화가들을 고무시켰고 가장 현대적인 예술적 작업을 실험하는 무대가 되었다. 1909~29년 많은 최고 무용가(니진스키·파블로바), 안무가(포킨·발란신), 가장 전위적이고 독창적인 화가와 작곡가(피카소·드랭·스트라빈스키·사티) 덕택에 디아길레프 무용단은 창조적인 예술활동의 중심이 되었다.

이 무용단은 영구적으로 순회공연을 하는 최초의 대무용단으로서 사설기구로 운영되었고 국적을 넘어 모든 서양인에게 갈채를 받았다.

19세기말 일부 무용가들은 단조로움에서 벗어나기는 했지만 비교적 제한된 표현수단에 의해 불가피하게 전통에 얽매여 있는 발레라는 예술형식 자체의 타당성에 대해 의문을 제기했다. 그들은 표현적인 무대무용의 개념을 근본적으로 변화시키고자 했다. 여성이 새로운 형식의 개척자로 전면에 나섰다.

그들은 무용수들의 내면적인 충동에 따라 동작 속에 자기를 표현하는 무용을 옹호했다. 이러한 새로운 무용, 즉 '현대무용'의 선구자는 미국의 이사도라 덩컨(1877~1927)과 루스 세인트 데니스(1877~1968), 독일의 루돌프 라반(1879~1958) 등이다.

새로운 세기의 발레와 현대무용에서 나타나는 사회적 분위기의 변화는 무도장 문화에 주목할 만한 영향을 미쳤다.

유럽의 젊은 세대는 신세계에서 들어온 더욱 활발하고 역동적이며 정열적인 사교무용을 열렬히 받아들였다. 19세기의 회전무는 투스텝, 원스텝이나 터키 트롯, 폭스 트롯, 그리고 퀵스텝같이 들쭉날쭉한 새로운 리듬에 맞추어 추는, 걷는 무용에 밀려났다. 그 리듬들은 아프리카가 원산지로서 라틴아메리카의 탱고와 룸바 또는 미국 흑인들의 재즈를 통해 전해졌다.

이 영향은 1918년 이전에 유행했던 래그타임과 그뒤를 이은 절분(切分)된 리듬 및 달콤한 스윙, 곡예와도 같은 지터버그, 다음 세대의 로큰롤 등을 형성하는 데 커다란 역할을 했다(아프리카 예술).

라디오와 전축이 등장하면서 사교무용이 보급되자 순수한 민속무용을 추는 지역은 점차 줄어들었다.

민속무용은 서구적인 도시화·산업화의 본류에서 벗어나 있던 나라에서 새로운 형식으로 최소한의 명맥을 유지했다. 스페인에서는 열정적인 플라멩코 춤의 전통이 존속되었으며 헝가리에서는 작곡가들이 풍부한 민요와 민속무용의 유적들을 모아서 보존했다. 스페인의 바스크족 같은 소수민족들도 이웃 민족의 영향력에 압도당하지 않고 자신들의 동질성을 유지하기 위해 민속무용을 보존했다. 아시아의 여러 공화국에서는 민속무용이 여전히 생생한 현실성을 가지고 남아 있다.

이전보다 더욱 활기차고 더욱 개방적인 모든 종류의 무용은 제2차 세계대전의 산물이었다. 전후의 사교무용은 지속적인 활력과 열광을 특징으로 한다. 1930년대와 1940년대에 인기를 누린 지터버그 같은 춤들은 빠른 발걸음으로 경쾌한 회전과 들어올리기를 하면서 추었다. 영화와 텔레비전은 트위스트 같은 로큰롤 춤들을 보급하는 데 기여했다.

재즈에 바탕을 둔 이러한 새 세대 무용의 특색은 춤추는 사람들 사이의 신체적 접촉이 없다는 점이었다.

1970년대 중엽에 디스코가 등장하면서 허슬과 범프같이 파트너와 함께 정해진 스텝에 따라 추는 춤이 살아났다. 디스코는 현대 재즈 무용의 영향을 받은 것이었으며 체육경기식의 춤동작도 끊임없이 발달했다. 특히 1980년대에는 브레이크 댄싱이라는 곡예적인 춤양식이 등장했는데 이는 몸을 복잡하게 비트는 것이라든가 마임과 같은 걷는 동작, 목과 어깨에 의지해 빠르게 회전하는 것이 특징이었다.

반면에 덜 복잡한 춤양식도 있었다. 이를테면 슬램 댄싱같이 몸을 상대방에게 밀착시키는 춤이라든가 포고(pogo)처럼 음악의 리듬에 맞추어 그 자리에서 뜀뛰기를 하는 춤이 그것이다. 그러나 짝지어 추는 춤이 완전히 사라진 것은 아니었다.

미국의 서부 컨트리 음악에 맞추어 추는 '서부 스윙' 춤에서는 특히 그런 방식이 우세했다.

전후의 발레 무대는 금세기초 디아길레프의 경우같이 혁명적인 발전을 이루지는 못했다. 고전 발레 양식은 서방과 소련을 통틀어 절대적으로 군림했다. 발레가 사람들 사이에서 높은 인기를 끌고 영구적인 무용단들이 많이 있었기 때문에 불가피하게 발레의 양식과 내용에 폭넓은 변형이 생겨났다.

국제적인 순회공연이 대규모로 재개되었다. 발레와 현대무용은 양식과 인원 면에서 상당한 상호작용을 주고받았다. 현대무용은 혁신적인 무용가이자 안무가인 마사 그레이엄과 트와일러 타프의 노력에 힘입어 계속 발전했다. 이들은 독자적인 무용단을 창설하여 새로운 무용양식을 모색했다. 또한 발레와 현대무용의 안무가들은 미국식의 뮤지컬 연극을 위한 무용을 만들기도 했다. 인도·실론·발리·타이 등지의 무용단들은 발레와 현대무용 모두에 영향을 미쳤다.

무수한 앙상블 작품이 생겨났으며 전통적인 민족무용에 바탕을 둔 그들의 레퍼토리는 무대용으로 각색되었다. 동유럽의 몇몇 나라와 이스라엘, 아프리카의 몇몇 신생국, 그리고 브라질·멕시코·필리핀 등지에도 그와 비슷한 무용단들이 있었다.

20세기초부터 무용활동은 지극히 다면적이고 화려한 면모를 보였다. 다른 어느 세기에도 사회적 활동 가운데 무용이 그처럼 중요한 역할을 한 적은 없었다. 이 점은 무용에 관한 연구와 집필이 엄청나게 증가하고 미국의 많은 대학에서 별도의 무용학부가 개설되고 소련에 무용연구소들이 창설된 사실에서 알 수 있다.

20세기에 무용이 중요한 역할을 한다는 사실은 무용이야말로 서양 문화의 생명력과 힘을 샘솟게 하는 마르지 않는 원천임을 말해준다.