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노래와 춤을 테마로 하는 영화 장르. 미국에서 특히 발달하였다. 오래전부터 미국은 브로드웨이 뮤지컬, 라디오 방송국, 음반 산업을 갖춘, 음악이 매우 발달한 나라였다. 사운드의 출현과 더불어 할리우드 스튜디오 시스템은 과거에는 결코 경험할 수 없었던 음악의 세계를 창조하려는 움직임이 있었다. 〈재즈 싱어〉(The Jazz Singer, 1927)는 사실상 최초의 뮤지컬 영화인데 이 영화에서 주인공 알 졸슨(Al Jolson)은 주제곡 마미(Mammy)를 포함한 여섯 곡의 노래를 부른다. 그러나 노래와 몇 대사를 제외하면 오케스트라 연주와 자막으로 이루어진 당시 일반적인 무성 영화와 크게 다르지 않았다.

또한 그 영화에서는 춤이 본격적으로 등장하지 않았으며, 전체적으로 음악보다는 각본에 더 중점을 둔 영화였다. 뮤지컬에서 안무는 음악과 함께 가장 중요한 요소로 뮤지컬의 주연은 노래뿐만 아니라 춤을 추는 사람이어야 한다. 하지만 이 영화의 성공으로 영화는 본격적인 토키 시대를 맞이하여 음악이 중요한 표현 수단이 되었고, 이후 노래와 춤을 중심으로 한 영화가 활발하게 제작됐다.

유성 영화 시대의 초기를 풍미한 뮤지컬은 아래 세 종류였다.

[1] 〈리오 리타〉(Rio Rita, 1929), 〈쇼보트〉(ShowBoat, 1929)와 같이 브로드웨이 뮤지컬이 영화화된 것.

[2] 〈1929년의 할리우드 리뷰〉(The Hollywood Revue of 1929, 1929), 〈파라마운트 퍼레이드〉(Paramount on Parade, 1930)같이 유명한 가수와 무용수, 코미디언이 주연이 되는 시사 풍자극.

[3] 〈브로드웨이 멜로디〉(Broadway Melody, 1929) 등 공연자들의 이야기를 다루는 이른바 '백스테이지(backstage)' 뮤지컬. 로이드 베이컨(Lloyd Bacon)이 감독한 〈42번가〉(42nd Street, 1933)는 백스테이지 뮤지컬이면서 오늘날 우리가 뮤지컬이라고 하는 장르의 원형을 최초로 실현한 영화였다. 이 영화는 정교한 무대 장치, 정확하게 안무한 여성 무용수들의 춤, 오버헤드 쇼트(overhead shot)를 포함한 이동 촬영 등으로 뮤지컬 역사에 길이 남을 기념비적인 장면을 보여 줬다. 위트 있는 대사는 빠르게 전달되고 인물 성격은 하나의 전형으로 능숙하게 다듬어진다. 무대에서 벌어지는 이벤트는 모든 각도에서 촬영하는데 오버헤드 쇼트로 포착할 때는 무용수들이 동심원을 비롯한 갖가지 모양의 형태를 만든다. 때로 카메라는 무대로 내려가 무용수들의 신체를 우아하고 유쾌하게, 가끔은 섹시하게 포착한다.

이러한 특징은 1933~1937년의 〈금 캐는 사람〉(Gold Digger) 시리즈를 포함하여 워너 브러더스 뮤지컬의 표준 형식으로 확립되었다. 오페레타(operetta) 뮤지컬도 인기를 끌었는데, 특히 1935년 〈장난꾸러기 마리에타〉(Naughty Marietta)가 대표적인 영화이며 모리스 슈발리에(Maurice Chevalier), 자네트 맥도널드(Jeanette Mac Donald), 넬슨 에디(Nelson Eddy) 등이 당시 활약한 유명한 배우들이다.

1939년에 개봉한 〈오즈의 마법사〉(The Wizard of Oz, 1939)는 오늘날까지도 대중적 인기를 끄는 작품이다. 이 시기 가장 매력적인 뮤지컬은 1933년 〈리오로의 비행〉(Flying Down to Rio)을 시작으로 프레드 아스테어(Fred Astaire)와 진저 로저스(Ginger Rogers)가 RKO 스튜디오에서 제작한 일련의 영화들이다. 그들은 연극적인 세팅을 제거하고 춤과 무용에 의한 자유롭고 리듬감 넘치는 스타일의 영화를 만들었다.

2차 세계대전 후 영화의 색채화와 대형화에 힘입어 뮤지컬 영화도 보다 화려해지고 세련미를 더해갔는데 이런 흐름을 아서 프리드(Arthur Freed)가 주도하여 MGM 뮤지컬이 황금 시대를 맞았다. 빈센트 미넬리(Vincente Minnelli)는 MGM에서 〈세인트 루이스에서 만나요〉(Meet Me in St. Louis, 1944), 〈해적〉(The Pirate, 1948), 〈파리의 아메리카인〉(An American in Paris, 1951)과 같은 영화를 만들었는데 〈파리의 아메리카인〉에서는 조지 거슈인(George Gershwin)의 음악을 효과적으로 사용하였다. 스탠리 도넌(Stanley Donen)은 〈7인의 신부〉(Seven Brides for Seven Brothers, 1954)를 만들었는데 여성에 대한 묘사가 시대에 뒤떨어지지만 눈에 띄지만 아직까지 고전적인 뮤지컬로 기억된다.

1960년대는 엄청난 흥행 기록을 거둔 뮤지컬이 다수 제작되었으나 장르 붕괴의 조짐이 나타난 시기였다. 로버트 와이즈(Robert Wise)의 〈웨스트 사이드 스토리〉(West Side Story, 1961), 조지 쿠커(George Cukor)가 감독했던 〈마이 페어 레이디〉(My Fair Lady, 1964), 로버트 와이즈가 감독했던 〈사운드 오브 뮤직〉(The Sound of Music, 1965) 등이 이 시기 대표적인 작품이다. 디즈니사가 제작하고 로버트 스티븐슨(Robert Stevenson)이 감독한 〈메리 포핀스〉(Mary Poppins, 1964) 같은 초대형 뮤지컬은 엄청난 비용에도 불구하고 대규모 흥행을 노리고 제작되었으나 대부분 흥행에 실패했다. TV의 등장 이후 영화에 대한 관심이 시들해지자 장르로서의 뮤지컬은 침체를 면치 못했다.

그럼에도 불구하고 간혹 성공적인 뮤지컬이 나타나기도 했다. 1979년에 나온 〈헤어〉(Hair)에서 밀로스 포만(Milos Forman) 감독은 스테이지 뮤지컬을 지적으로 각색하였고, 음악과 춤을 통해 1960년대와 1970년대 초기의 격동기 속에서 젊은이들이 겪는 기쁨과 좌절을 잘 전달했다.

밥 포스(Bob Fosse)는 뮤지컬 〈카바레〉(Cabaret, 1972)와 〈올 댓 재즈〉(All That Jazz, 1979)에서 환상적인 각본과 춤을 선보였다. 마이클 앱티드(Michael Apted) 감독의 자전적인 영화 〈광부의 딸〉(Coal Miner's Daughter, 1980), 에이드리언 라인(Adrian Lyne) 감독의 〈플래시댄스〉(Flashdance, 1983) 같은 뮤지컬 드라마, 〈미녀와 야수〉(Beauty and the Beast, 1991) 같은 애니메이션 영화들도 부분적으로 뮤지컬로 간주할 수 있지만, 밥 포스 이후로는 어떤 뮤지컬도 그 자체만으로는 영화 스크린을 장악하지 못했다고 보는 편이 옳을 것이다. 그 이유는 뮤직 비디오가 크게 번성하여 노래와 춤을 중심으로 하는 뮤지컬을 본질적으로 대체했기 때문이다.